Cadernos do Cinema

Favela plural

2010-09-08T11:47:00.000-07:00

Por Gabriel Giraud

5x favela – agora por nós mesmos pode soar ao espectador brasileiro como “mais um filme de favela” ou qualquer obra de ode à pobreza que tanto frequentou a história do Cinema Brasileiro da última década. A evidência recorrente das péssimas condições daqueles que moram nessas comunidades urbanas criou um estigma na cinematografia brasileira e no público. A favela é vista quase como algo fetichista dos “ricões que querem falar de pobre”. Mas 5x favela honra seu subtítulo. Agora, é a favela que conta a favela.

Fonte de renda, de Manaira Carneiro e Wavá Novais

O que enriquece os roteiros dos curtas que compõem 5x favela é o diálogo constante do morro com o asfalto. Não há um isolamento; a favela faz parte da cidade e estamos todos “juntos e misturados”. Há muita sinceridade no filme; o trabalho em equipe transparece. Talvez por isso exista uma pluralidade no filme que pode dar um tom desigual. Há grandes acertos em muitos momentos, como na atuação, na fotografia, na montagem e na trilha sonora. No entanto, também há coisas que poderiam ser melhoradas nesses mesmos aspectos. 5x favela também não consegue ser uma obra única pelos vários tônus dramáticos dos cinco filmes. Cada história tem particularidades muito distintas e é difícil ver o filme como uma obra única; o filme será desigual para quase todo mundo.

Feijão com arroz, de Rodrigo Felha e Cacau Amaral

A tônica do humor perpassa três dos cinco curtas; a questão do tráfico também está em três, sendo que em um, Concerto para violino, há violência explícita. Feijão com arroz e Acende a luz são, de longe, os mais lúdicos, quase como fábulas. Eles ganham no quesito atuação e divertimento. Acende a luz tem uma fotografia muito criativa e aconchegante, com cores um tanto novelescas, o que enriquece a história leve e engraçada. Deixa voar também conta com uma bela fotografia, mas aqui evidenciando o céu e os rostos dos adolescentes.

Concerto para violino, de Luciano Vidigal

Deixa voar, de Cadu Barcellos

A criatividade narrativa ou a cinematográfica não são muito trabalhados (exceto talvez pelo paralelismo narrativo de Concerto para violino), mas a riqueza de detalhes, da arte à atuação, do roteiro ao som, mostra o quão bem trabalhado e articulado foi esse longo e trabalhoso processo. O ineditismo do projeto reside no projeto em si, concepção que pode criar um novo ramo na indústria cinematográfica: o de cinema de mutirão.

Acende a luz, de Luciana Bezerra

Cada um encontrará sua relação com a favela dentro desses cinco curtas. Cada um aprenderá alguma coisa nova sobre a vida em comunidade. Cada um se surpreenderá com algum aspecto muito semelhante ao seu próprio cotidiano. E é essa pluralidade e polifonia que levará 5x favela e o Cinema Brasileiro para viajar bem longe.

Pavor animado

2010-09-07T20:09:00.000-07:00

Começa nesta quarta-feira 8 o festival Animaldiçoados – Festival Inernacional de Animação de Horror (Animacursed em inglês). Com uma programação com curtas e longas de vários países, o Animaldiçoados promete assustar muita gente, mas guardando o lado fantástico e, às vezes, engraçado do horror. Zumbis, vampiros, morte, monstros estarão garantidos nessa mostra. Além das sessões de filmes, haverá também palestras de animação com inscrição gratuita pelo site.

O Festival estará no Rio de Janeiro no Centro Cultural da Justiça Federal (Av. Rio Branco, 241, perto do metrô Cinelândia) de 8 a 12 de setembro. Em São Paulo, o Festival tomará a Reserva Cultural (Av. Paulista, 900, entre as estações de metrô Trianon Masp e Brigadeiro) de 17 a 23 de setembro.

Para conferir a programação, preços e se inscrever nas palestras, visite o site do Festival Animaldiçoados. Para se programar, o Cadernos recomenda o curta belga Touchdawn of the Dead, de Pierre Mousquet; o japonês Bloody Night, de Takena Nagao; o irlandês indicado ao Oscar de melhor curta de animação Granny O’ Grimm’s Sleeping Beauty, de Nicky Phelan; e o criativo espanhol Vicenta, de Sam, que você pode dar uma olhada no teaser:

Terços, crucifixos e alho recomendados.

Um sonho dentro de um filme dentro de um sonho

2010-09-02T12:08:00.000-07:00

por Alice Fonseca

"Qual é o parasita mais resistente? Uma idéia. A única idéia de que a mente humana pode construir cidades. Uma idéia pode transformar o mundo e reescrever todas as regras.” E assim começa o trailer de um dos filmes mais comentados do ano.

Eu sei, eu sei... Estamos em falta ao que se trata da nova obra de Christopher Nolan, “A Origem” (Inception), mas o que se tem se falado e especulado a respeito do filme deixa qualquer um inseguro sobre o que articular ao certo. Pessoalmente, eu quero ir o mais superficial possível para não arruinar a experiência que você terá com este longa com uma sobrecarga de informações. Por isso, tentarei ser o mais breve possível e te apresento a sinopse oficial (peguei “emprestado” do IMDB), para você que não viu entender o que está perdendo.

SINOPSE: Em um mundo onde existe tecnologia para entrar na mente humana pela invasão de sonhos, uma ideia única dentro da mente de alguém pode ser a arma mais perigosa ou o bem mais valioso. A própria trama deste filme-mistério é um mistério mantido pela Warner Bros Pictures. Mas, conseguimos filtrar que Dom Cobb (DiCaprio) é um especialista no ramo da espionagem corporativa. Ele é um ladrão de sonhos que arranca segredos das mentes de magnatas depois de enchê-los de drogas e fisgá-los em uma engenhoca misteriosa. O problema é que Cobb pode ser vulnerável, já que ele é um sonhador abalado depois da morte da sua esposa.

O lance desse filme é a luta para determinar o que é real num mundo onde o seu sonho é como o real, onde a única coisa que difere da realidade são os paradoxos (como a escada de Escher – infinitamente em loop) e os labirintos. Bem, não vou ousar fazer uma crítica sobre o filme, muito menos dar o número de rabiscos que eu acho que ele merece... Isso eu deixo para os meus amigos que são os melhores no que fazem. Mas, confesso que eu não lembro a última vez em que saí do cinema depois de duas horas e meia desejando poder dar a volta meia volta e ver o que deixei escapar.

Mas será que foi Nolan que criou esse universo mesmo? Em 2004 foi lançada uma revista em quadrinhos do Tio Patinhas, na qual a história é: os Irmãos Metralhas usam uma máquina especial para entrar nos sonhos do Tio Patinhas e roubar a combinação de seu cofre. Na tentativa de evitar os atentados, o Pato Donald e seus sobrinhos entram no sonho do Tio Patinhas. E como se não fosse parecido o suficiente quando alguém se machuca no sonho, eles acordam imediatamente.

Sendo Christopher Nolan responsável ou não pela origem de Inception, uma coisa é certa: é um filme de ação e divertido se você quiser que seja, afinal, tem as piadinhas, as explosões, os tiroteios e as perseguições (tudo o que um filme blockbuster deve ter). Mas, se você quiser pode ser um filme cabeça também, dolorosamente inteligente e com sua conexão de regras do universo que Nolan cria. Por um lado ou por outro, você sai ganhando.

Rigor

2010-08-21T14:26:00.001-07:00

por Gabriel Giraud

“Rigor” é um substantivo que denota uma qualidade – ou defeito, para muitos – determinadora de precisão, rigidez, exatidão. Também denota outras atitudes caracterizadoras de vigor, educação, perspicácia, inteligência e trabalho árduo. Num filme, um trabalho rigoroso é dito de uma obra em que uma vasta pesquisa, o trabalho de atores e o da arte foram feitos de forma quase que extenuante, intermediados por uma fotografia sem rodeios, clássica e, muitas vezes, difícil.

Igor Stravinsky era um homem que prezava pela cultura. Ele, além de compositor e maestro, escreveu livros e era sedento por conhecimento. Flertou com diversas formas e gêneros dentro da música clássica e fez importantes parcerias. O rigor era um de seus fortes. Era um vanguardista; nem sempre sua obra era bem aceita. No entanto, teve seu reconhecimento e é visto até hoje como um compositor perfeccionista e metódico.

Coco Chanel é o arquétipo da mulher moderna. Independência, sucesso profissional e elegância resumem sua vida. Sobriedade e formalidades estéticas permeiam suas coleções. O rigor era um de seus fortes. Era uma vanguardista; nem sempre suas atitudes eram bem aceitas. No entanto, teve seu reconhecimento e é vista até hoje como uma estilista e mulher de sucesso.

Nesse contexto, qualquer filme que for tratar do romance desses dois personagens pode cair numa rota perigosa. Não se sabe muito do affair que eles tiveram. Mas, como eles eram pessoas relativamente fechadas com suas vidas privadas, para manter a verossimilhança no roteiro, a invenção do dia-a-dia da “história de amor” de Igor e Coco pode cair no tédio. E é isso o que acontece em Coco Chanel & Igor Stravinsky.

O que marca no filme, contudo, é o rigor. O rigor dos personagens, o rigor de suas obras, o rigor visual, musical, da composição dos personagens tanto por Mads Mikkelsen e por Anna Mouglalis. O rigor da servidão de Katerina, a esposa dedicada e muito bem atuada por Yelena Morozova. O rigor da fotografia, com um belo plano-sequência inicial.

Nessa adaptação de um romance para roteiro de cinema, houve falta de elementos dramáticos necessários em uma trama desenrolada no audiovisual. Houve a filmagem de dois personagens com seus turbilhões emocionais, mas que não externaram isso tão bem. E o prolongamento disso num filme relativamente longo piora o processo.

O roteiro deveria ter pensado a história como filme. Assim, uma boa história seria a que contasse o affair de Coco e Igor como nada mais do que um affair, e talvez com elementos que fossem, pelo menos, mais didáticos, ou de qualquer outra natureza que preenchesse o vazio dessa relação (e o tédio do público). Uma história ganharia um trato rigoroso. Rigor esse que faria qualquer história ser digna de ser vista.

Genialidade no grão-de-bico

2010-08-17T21:52:00.000-07:00

por Gabriel Giraud

Paul Giamatti é Paul Giamatti. Um ator real de Nova York é o personagem principal de uma realidade superabstrata. Almas à venda, da debutante Sophie Barthes, já submerge o público a um incrível paradoxo real/surreal, onde existe um verdadeiro comércio de extração e armazenamento de almas – e o nosso protagonista acaba perdendo sua alma nessa brincadeira.

Apesar da provável complicada concepção, a narrativa é simples. No entanto, sua trama guarda subtextos que podem não ser facilmente apreendidos pelo espectador menos experiente ou sensível. Num mundo onde almas são objeto de mercado, o sentido de humanidade é, com humor fino, questionado a cada momento. É humano sentir? Fingir? Suportar? Somos corpos ligados a almas ou almas ligados a corpos?

Essas perguntas são muito bem ilustradas pelo belo cartaz do filme (é raro ter o prazer de ver um cartaz com uma apresentação gráfica tão criativa sendo tão significativo). O filme é muito bem emoldurado por uma trilha sonora de alta qualidade, um trabalho de arte primordial e atuações surpreendentemente exatas.

Questões extremamente metafísicas tomam formas divertidas, sejam elas visuais ou narrativas. As gags são de muito bom gosto. Almas à venda é uma comédia no seu sentido original aristotélico. No entanto, Almas à venda não se configura como uma comédia do sentido comum. A carga trágica e moderna corre pela personagem da mula de almas, a russa Nina. Temos um roteiro híbrido, onde realidade/irrealidade e dois personagens de “histórias diferentes” brincam e se (nos) questionam nesse plano cartesiano “zoado”, onde a própria citação inicial de Descartes é parte da comicidade do filme.

As sensações que se pode ter do filme são várias, como também nenhuma. A narrativa não tem elementos tocantes, principalmente no que concerne o trato do protagonista. Ele não tem carisma. É difícil de se identificar com ele. O que se aprecia é a construção do personagem e a atuação do Paul Giamatti ator e de todos os momentos do personagem que o Paul Giamatti personagem atua nos ensaios. Ufa, confuso? Nem tanto. Somos bem mais.

Me despreze, mas nem tanto

2010-08-13T12:45:00.000-07:00

por Matheus Miguens

Vamos deixar as críticas técnicas e burocráticas de lado. Nada de falar de direção, roteiro, estética, bla bla bla. É apenas uma animação, e uma daquelas bem bobinhas.

Não vou falar mal do filme. Eu sou um fã incondicional de animações, mesmo as mais idiotas. Daquele que transforma a semana do Anima Mundi em férias. Só acho que eu merecia mais por ter esperado Meu Malvado Favorito ser lançado, desde dezembro do ano passado, quando ele ficou pronto. Quer dizer, como fica a reputação de um jovem crítico após a enfadonha promoção do filme entre os amigos, antes mesmo de ter sido lançado? Pois é, aposta de fã. A todos, minhas desculpas.

Mas o filme até que é divertido, ainda mais em 3D. Recheado daquelas piadinhas de riso instantâneo com fisionomias momentâneas e vozes manipuladas pra te fazerem rir. Tipo, pra criança mesmo. Ele é legal, exceto algumas infelicidades.

A primeira delas é que a distribuidora do Malvado aqui no Brasil resolveu não fornecer cópias legendadas para os cinemas. Ah, que legal. O carro-chefe de promoção do filme é exatamente o elenco dos cômicos atores hollywoodianos que emprestaram suas vozes aos personagens! Como assim? Como eles podem, na cara dura, me vetarem de ouvir a voz de Steve Carell?! Mais do que isso, a infelicidade é elevada ao quadrado quando o substituto é Leandro Hassum. Tsc tsc. Com as vozes originais, provavelmente terei uma maior aceitação.

A outra infelicidade já me aconteceu antes e tá na moda. Essa mania de juntar as melhores piadas de um filme no trailer é infernal! Elas perdem a graça, só eu acho isso? A Universal resolveu lançar milhões de trailers anteriormente ao lançamento do longa. Resultado, as três primeiras cenas do filme você já conhece e mais outras quatro ao longo dele também.

Meu Malvado Favorito não passa de um ‘quero-ser-um-pixar’.

Trilogia de quatro

2010-07-13T13:55:00.001-07:00

Por Gabriel Giraud

Shrek não viveu sua redenção e nem pôde viver seu “felizes para sempre” depois do suposto fim em Shrek Terceiro. Isso preparou o mote para a última aventura do ogro em Shrek Para Sempre, com uma trama anômala aos antigos filmes da série. Muita diversão, mas, motivo para o filme existir... não tem, não.

O filme é um “se” da história do ogro. Agora imaginemos se cada filme que víssemos tivesse um “se”. Por isso a trama que surge no quarto é bem artificial, algo produzido pela – atenção para o clichê – grande indústria do entretenimento para ganhar mais dinheiro.

OK, a diversão é relativamente boa. Dessa vez, o ogro mostra um psicológico diferente dos anteriores, vivenciando uma angústia da rotina e da boa-vizinhança – algo bem sabido do homem de hoje. Temática até adulta demais, algo que não garante tanta solidariedade dos pequenos.

A trama também é meio complicada pros pequenos, pois Shrek vive num universo paralelo. A palavra “metafísica” é empregada no filme pelo novo vilão Rumplaoijdowiqoskyyk (ou alguma coisa parecida). Falta-lhe carisma, ainda mais quando lembramos do saudoso Encantado e suas belas madeixas angelicais.

Talvez o Gato de Botas salve a comicidade. As piadas ainda têm seu brilho, mas a sensação de não-identificação e a pieguice o ofuscam. No entanto, o final fecha o ciclo da história com o início do filme e com o início da trilogia, cumprindo o seu papel essencial. E, o melhor, a trilha musical. Majestosa!

Shrek vai ficar no coração de todos como o filme que mais uniu os reinos do cinema infantil e referências adultas. Mas o melhor dele já foi visto.

His name is Bass... Saul Bass.

2010-06-21T22:06:00.000-07:00

Por Alice Fonseca

Foi em 1955, quando os rolos do filme de Otto Preminger, O Homem do Braço de Ouro, chegaram aos Estados Unidos, e na lata que continha a película se lia “projetistas: puxem as cortinas antes dos títulos”. Que muita gente não gosta de ver os créditos e se levanta assim que o filme acaba, não é nenhuma surpresa, e, naquela época, não era muito diferente... Preminger sabia disso. Até aquele momento era dado como maçante ver os títulos pelo longa-metragem, mas o diretor queria que seu público visse os créditos como parte integrante do filme.

O tema era a luta de seu protagonista - um músico de jazz representado por Frank Sinatra - para superar seu vício em heroína. E ao contrário dos outros filmes que Sinatra contracenava, os créditos desse não levavam seu rosto , mas o desenho de um braço de viciado em heroína. Sim, a imagem é forte, ainda mais para aquela época e foi justamente por saber que era um conceito forte de dependência que o designer a escolheu. Seu nome era Bass, Saul Bass.

Aparentemente ilimitado na criatividade, Bass não foi apenas um dos grandes designers gráficos do século XX, com seus pôsteres, mas foi o cara que encontrou expressão nas aberturas dos filmes, usando todo o potencial criativo que eles tinham. Pioneiro na utilização de técnicas de animação que traziam com elas efeitos emocionais e psicológicos, Bass foi reconhecido em seu trabalho após trabalhar com Alfred Hitchcock, Otto Preminger e Matin Scorsese.

Suas colaborações mais reconhecidas são com Hitchcock, em Vertigo (1958) e Psicose (1960). O designer fez da abertura inicial de Vertigo sua obra prima, com o drama, o suspense e com referências à vertigem que seu personagem principal sofre.

O que muita gente não sabe é que em Psicose a participação de Bass foi muito além da cena dos créditos. O designer arquitetou o modo como a cena clássica do assassinato do chuveiro foi filmada, desenhando-a inteira em storyboard antes as filmagens. Dizem até que Bass saiu divulgando por aí que foi o diretor da cena, mas isso é assunto pra outra hora.

Enquanto o seu grau de participação em Psicose permanece difícil de identificar, Bass deixou sua inconfundível marca habitual no título de seqüências do filme e esta foi a terceira e última colaboração entre o designer e o diretor inglês. Sim, terceira, eles antes trabalharam juntos em Vertigo e Noth by Northwest (1959), mesmo que nesses Bass tenha se limitado a seqüências de título.

Saul Bass foi um gênio com estilo, começou trabalhando como uma espécie de “freelancer designer gráfico” e morreu como uma lenda do cinema em 1996. Scorcese descreveu uma vez sua abordagem como a criação de uma “imagem emblemática, imediatamente reconhecível e imediatamente ligada ao filme". Sei bem o que ele quer dizer, não há como discordar, Bass é o cara.

Sem poder, não vem responsabilidade alguma

2010-06-19T18:21:00.000-07:00

Por Rafael Mathias

Ser um geek não é fácil. Você acha o que, que o sonho de todo o geek é ter uma loja de gibis? Ser o primeiro no rank mundial do Xbox? Isso é a realidade, mas o sonho mesmo é fazer tudo que todos acham ser impossível para um magricela de óculos: chutar uns traseiros e pegar a mais gata do colégio. Traduzindo, se tornar um super-herói.

Pra isso existe o cinema, pra isso existe Kick-ass! A vida de Dave Lizewski é comum, ao estilo adolescente sofredor de bullying, que perde o dinheiro do lanche, aspirante a futuro integrante de The Big Bang Theory. Eis que um dia percebe: “Oh Deus! Alguém precisa fazer algo a respeito dessa injustiça!”. E quem melhor que os outros do que si próprio, ou algo parecido. Surge então Kick-ass, o super-herói mais bundão do planeta.

Ambientado em Nova Iorque, a base é similar à de Homem-Aranha, mas como dito no filme “sem a aranha radioativa”. É aí que está a magia, nada é mágico A vida de Dave é totalmente ordinária, com um belo toque de azar. Porque é engraçado ver o protagonista se ferrar de vez em quando. Isso se traduz em uma busca pela realidade que se torna caricata.

O que despertou a minha curiosidade foi que, ao mesmo tempo que o filme tenta não cair no cliché do herói intocável, acaba entrando num banho de sangue no melhor estilo Kill Bill. Esta aí um ponto chave: até que ponto as ações beiram o real (ou tal situação é crível). O longa-metragem de Matthew Vaughn acerta em cheio, com um bom-humor surreal.

Muitos filmes de super-herói usaram e abusaram de técnicas para aproximar-se da estética dos quadrinhos. Kick-Ass se excede em matéria de edição se comparado à Hulk (de Ang Lee), e se compara à Watchmen no que diz respeito à imagem – os planos são muito interessantes e variados, e as cores nos faz mergulhar naquele universo. Pra quem gosta, é um prato cheio.

Bernal já não é mais o tal

2010-06-12T18:05:00.000-07:00

Por Gabriel Giraud

Um lugar exótico. Carrões desfilando sobre estradas de terra. Uma loiraça e Gael García Bernal. Uma trama envolvendo americanos, ingleses, italianos. Tá bom, parei, isso não é um filme de ação ou de espionagem, só é um filminho romântico.

O “where is the love?” americano é o cerne do roteiro de Cartas Para Julieta (Letters to Juliet). A nova queridinha da América, Amanda Seyfried (que todo mundo lembra como a loira-burra das Meninas Malvadas), é Sophie, uma averiguadora de informações, detetive-jornalista ou qualquer coisa parecida com aspirações a escritora. Ela vai em pré-lua-de-mel a Verona com um insuportável, hiperativo, raso e nada sensual Gael García Bernal, encarnando Victor, seu marido e recém chef. Uma aspirante a escritora e um chef de cozinha na Itália... já pelos aperitivos, dá para ver que Sophie não será capaz de provocar apetite em seu noivo.

A história começa mesmo quando ela encontra uma carta não-respondida há vários anos na Casa de Julieta, um ponto turístico em Verona onde as mulheres escrevem suas desventuras amorosas e os homens e crianças tiram fotos com as estátuas nuas (mas só tinha mulher gata chorando no muro das lamentações da Julieta!) Sophie responde e escreve toda prosa à remetente da velha carta. E a mulher, já uma senhora, inglesa, volta à Itália para reencontrar seu grande amor. E ela não é nada menos que Vanessa Redgrave, no papel da doce vovó Claire.

E eu disse que ela vem acompanhada do seu neto bonitão? E que o neto bonitão e Sophie têm um atrito inicial? Mas que Claire quer que a detetive Sophie vá junto com ela na empreitada em busca de seu grande amor? E que essa empreitada é a grande oportunidade para que Sophie comece a escrever? E que o noivo de Sophie vive em leilões de vinhos e viaja em plena pré-lua-de-mel? E que o neto bonitão é solteiro e rico e tem um carrão? Pois bem.

E, nesse roteiro que você saca o filme todo em cinco minutos, a gente saca também que ele acaba assim que a vovó Claire acha o seu Lorenzo Bertolini dentre os quinhentos Lorenzos Bertolinis da região. Sacamos errado. O filme ainda dá uma volta imensa pós-fim. E desnecessariamente. A sensação é de sobra e obviedade, e isso resulta em impaciência. É uma pena, pois a personagem de Vanessa Redgrave protagoniza cenas lindíssimas, como a cena em que ela escova os cabelos de Sophie na penteadeira e a da descoberta de Lorenzo – e que serviria de um lindo grand finale a um filme esteticamente bem-feito. Infelizmente, é o completo oposto que acontece.

Agora, para sobremesa, informação útil do filme: sim, é fofo; sim, é ótimo para o Dia dos Namorados; sim, dá pra entender tudo fazendo outra coisa no cinema. Mas pare um pouquinho de vez em quando, o filme vale algumas lindas cenas. E as lições de que Gael García Bernal pode sim ser o marido traído; de que a Itália deixa todos os branquelos bem vermelhos; e de que Shakespeare era um apaixonado italiano!

Sexo (gay), mentiras e Jim Carrey

2010-06-10T19:40:00.000-07:00

Por Matheus Miguens

Obs.: Não tem jeito, Jim Carrey nasceu pra isso. Eu sei, eu sei... filmes maravilhosos como Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças e O Show de Truman não devem perder valor na carreira do ator, mas é na comédia que Carrey mostra seu talento e dá o verdadeiro significado aos seus personagens.
Baseado em fatos reais, I Love You Phillip Morris é homônimo ao livro de memórias de Steve McVicker, que ganha o nome de Steven Russel para o personagem principal. O longa ganhou seu primeiro nome em português em novembro do ano passado, quando passou por aqui pelo evento Vale Open Air. Traduzido ao pé da letra por Eu Te Amo Phillip Morris, até que me agradou. Não imaginaria um nome melhor. Agora, O Golpista do Ano?? Faz o filme descer muitos níveis, integrar o grupo dos ‘da pesada’ ou ‘do barulho’ e assim, receber um estereótipo caricato de Sessão da Tarde! Patético. Enfim, assuntos mercadológicos.
Numa mistura de O Segredo de Brokeback Mountain com Prenda-me Se For Capaz, O Golpista do Ano conta a história real de Steven Russel (Jim Carrey), um policial bem casado que após um acidente resolve assumir sua homossexualidade. Para viver no mundo gay, Russell vira um picareta, capaz de qualquer ato ilegal para conseguir dinheiro fácil. Em uma das prisões de Russell, ele conhece o Phillip Morris do título, brilhantemente interpretado por Ewan McGregor. Sempre que aparece, o ator rouba a cena e, graças a ele, o filme ganha novos ares e se torna muito mais agradável. Russell e Morris se apaixonam e essa relação vira uma história de amor e falcatruas com situações dramáticas, mas também divertidas.

Para além do argumento e das interpretações, poucos aspectos me parecem dignos de nota. Mas a verdade é que o filme cumpre os seus objetivos, conta uma historia bem contada e deixa-nos a pensar sobre ela. E esse talvez seja o seu maior trunfo, a narrativa. É uma obra polêmica, que banaliza a homossexualidade e usa o humor como fio condutor para narrar uma história profundamente trágica. Sem qualquer pudor em caricaturar o lado mais estranho da homossexualidade aos olhos dos heterossexuais, esta é no fundo uma história de amor de um homem que se recusa a aceitar as limitações que a vida lhe impõe, e usa de todos os meios para subvertê-las.

Sem falar nele, Jim Carrey. Sua versatilidade assusta ao interpretar convincentemente todas as metamorfoses de um personagem tão singular, desde o seu tempo de polícia casado e pai, até ao sofisticado diretor financeiro, ou doente aidético terminal. Tem gente por aí o acusando de caricato demais. E é! Para seus fãs, o papel é um prato cheio. No melhor estilo O Mentiroso de ser. E Rodrigo Santoro? Está lá, em quatro cenas e aparece como terceiro nome no crédito aqui no Brasil. Seu personagem acaba perdido no meio do filme, ressurgindo já no final meio sem propósito só para sabermos que fim ele levou. Bem medíocre. Mas é só um detalhe. Até por ele o filme vale.

Aptidão para imersão

2010-06-07T18:27:00.000-07:00

Por Rafael Mathias

Acrobacias, perseguições, lutas, viagem no tempo e uma femme fatale. Vá ao cinema, se identifique e realize suas maiores fantasias. Já temos todos os elementos necessários para um filme de sucesso, só faltam os efeitos especiais e o galã. Não faltam não, pois estamos falando de Príncipe da Persia, e nestes quesitos, a adaptação do clássico game não peca.

Mas podemos falar do que se tem em exagero ou o que falta para ser algo além. O primeiro item seria a falta de profundidade com que o tema central é abordado: a busca desenfraeada pelo poder, desencadeada pela inveja, resultando em traições e rompimentos de laços importantes. Da mesma forma desleixada e superficial que descrevi, o tema é exposto na tela. Outro motivo seriam as atuações sem destaque, ressaltando apenas Alfred Molina.

Pois então, diante dessa falta de profundidade, acaba que cria-se espaço para um sem-número de reviravoltas, que podem ser explicadas da forma que convier pro roteirista. Ironicamente, isso funciona muito bem. Então vamos pro lado legal da coisa.

As situacões novelescas, as cenas de ação com doses de slow motion, e os conflitos enfrentados pelo Príncipe Dastan são extremamantes empolgantes. Você vibra e torce pelo protagonista, fica indignado com o quao feio e bobo foi o traidor, e o ápice do filme é estasiante. (Só a minha bexiga não aguentava mais a duração do filme, mas eu estava imerso na realidade persa).

Imagem do game Prince of Persia: The Sands Of Time

Agora, o motivo pra eu ter achado esse filme mais que mediano, foi a forma como a superprodução foi feliz em transpassar a atmosfera do game para os cinemas. A iluminação cria um ambiente, basicamente contrastando as temperaturas de cor mais altas com as mais baixas (amarelo alaranjado e azul); um figurino fiel; e alguns planos derivados da linguagem “videogamística”. Ainda tem o le parkour, marca característica do jogo, que praticamente reinventou o gênero dos games de aventura. A história foi um pouco modificada, mas tudo para o bem do filme, que mantém seu vilão principal e os desafiantes hassassins.

Então, entre na torcida pelo príncipe em As Areias do Tempo, ele merece voltar.

Nada de novo

2010-06-05T23:19:00.000-07:00

Por Matheus Miguens

O cineasta Roman Polanski está preso desde novembro de 2009 na Suíça, acusado de pedofilia em um caso que se envolveu nos anos 70, cuja culpa ele mesmo assumiu na época. É nessa atmosfera que a gente critica seu mais recente thriller, O Escritor Fantasma, que já começa mal pelo título.

A tradução literal do original The Ghost Writer emprega um sentido estranho ao título. O termo, originalmente em inglês, designa uma pessoa que escreve em nome da outra, atividade muito comum na redação de discursos políticos, palestras e “auto”-biografias. Por ser uma expressão idiomática, quando passado pro português ela perde o sentido e o filme se transforma num Terror! Ponto fraco numa obra que é essencialmente comercial. Passado isso, ela até que é interessante.

Ewan McGregor é o personagem título – que curiosamente não recebe um nome –, contratado para continuar escrevendo as memórias de Adam Lang (Pierce Brosnan), um ex primeiro ministro britânico, após a misteriosa morte de seu escritor fantasma anterior. Quando o político é acusado de envolvimento comcrimes de guerra, o trabalho, que já era perigoso, passa a tomar enormes e perigosas proporções, a ponto de colocar a vida de ambos em risco. É aí que o escritor deixa o dever de lado para se aventurar nas investigações das falcatruas do político. O Escritor Fantasma é baseado no livro The Ghost, de Robert Harris, que não faz a menor questão de esconder que é inspirado na vida do primeiro-ministro Britânico Tony Blair.

O fato é que o filme, apesar de suas qualidades – e elas existem –, não convence. Não passa de um thriller-americano-nada-surpreendente que beira o clichê. A história pode ser desvendada facilmente nas primeiras cenas e pelo próprio gênero era meio lógica a conclusão trágica do final. Acrescente a isso o sotaque britânico fake-bizarro de Pierce Brosnan e o péssimo cromaqui, nós temos um filme que não é digno de Roman Polanski.

Exceto a direção, que rendeu a Polanski o Urso de Prata no Festival de Berlim deste ano. O diretor tem uma intimidade com a câmera que o emprega a capacidade de fazer de uma história cheia de clichês um exemplo de direção cativante. As cenas são muito bem conduzidas com enquadramentos e sequências boas. Não só isso, mas a atmosfera do filme também me agrada. É conferida uma aura noir, com imagens cheias de sombras e um ambiente predominantemente acinzentado, sob constante clima nublado, acompanhado de uma trilha sonora de cordas igualmente sinistra. Mas para por aí.

O filme é até legal, ainda que não pessoal e sem qualquer traço autoral. Mas não convence uma pessoa – eu – que sempre reclama dos roteiros que se repetem no cinema.

A Seleção que já ganhou

2010-06-01T15:47:00.000-07:00

Coco Chanel & Igor Stravinsky

Após uma breve pausa devido a projetos e provas na faculdade, a equipe do Cadernos volta trazendo a dica quente desse começo de mês para o pré-Copa: o Festival Varilux de Cinema Francês. Com uma seleção que é a crème de la crème da produção cinematográfica da França, o Festival Varilux traz nesse ano um porte maior, ocorrendo simultaneamente em várias capitais brasileiras, a partir dessa quinta, 3, até o dia 10 de junho. Aqui no Rio de Janeiro, as sessões ocorrerão no Estação Ipanema e no Unibanco Arteplex, sendo que a abertura será no Odeon Petrobras.

O profeta

Grandes êxitos, como o superpremiado e indicado ao Oscar por melhor filme estrangeiro, O profeta (Un prophète), passa por aqui. Os inéditos Coco Chanel & Igor Stravinsky, O dia da saia (La journée de la jupe) e Oceanos (Océans) são filmes que prometem agradar o grande público e impactar com suas estéticas bem trabalhadas. No Dia Mundial do Meio Ambiente, 5 de junho, o filme Oceanos será exibido gratuitamente num telão no Forte de Copacabana.

Oceanos

Veja no site do festival a programação completa para todas as cidades, bem como trailers e sinopses. Et vive la France! – pelo menos até o Mundial...

Timmania

2010-05-15T17:21:00.000-07:00

Além de cineasta e presidente da 63ª edição do Festival de Cannes, Tim Burton também tem um livro chamado A Morte Melancólica do Rapaz Ostra e outras estórias, sabia? Ok, mas o post não é sobre isso. O faz-tudo, diretor de Alice no País das Maravilhas, ganhou a maior retrospectiva já dedicada à um cineasta no MoMa (NY), de fevereiro à abril desse ano. Ao todo foram mais de 700 itens entre longas, animações, desenhos, fotografias, pinturas, arte conceitual, storyboards, marionetes, maquetes e figurinos de produções e de trabalhos pessoais de Burton. Pra não perder o momento Burton, aí vão algumas imagens das obras expostas:

As outras obras estão disponíveis para visualização no site oficial.

Mais perdido que a Alice

2010-05-13T22:00:00.000-07:00

Por Victor Quintanilha

Tim Burton, dirigindo nova versão de Alice no País das Maravilhas, junto com a atuação de Johnny Depp (que surpresa), é uma combinação que enche várias salas de cinema, seja com crianças ou com o público arrebatado pela nostalgia do desenho da Disney. Porém, a junção da excentricidade de Burton à insanidade da obra de Lewis Carroll tem como resultado um filme unicamente estético (sendo que até isso pode ser questionado).

Como o filme não é um quadro a ser apreciado, serão apontados alguns defeitos. O maior problema da película está na narrativa, que é pobre e repleta de imperfeições. Não se consegue enxergar um encadeamento claro entre os acontecimentos, o que tem como consequência o distanciamento do espectador, que fica fora de órbita na história contada. A bola de neve então começa a rolar.

O não envolvimento com os personagens ou com a trama, promovido pela baixa qualidade da narrativa, só estimula a percepção dos erros. Há erros de continuidade, há cenas inúteis e há elementos dispensáveis no filme que não cabem em uma crítica.

As atuações são todas regulares, nenhuma a destacar. Vale registrar a beleza do Cheshire Cat e, em contraposição, o péssimo recurso gráfico utilizado no Stayne, que é visivelmente artificial, e faz com que a cabeça dele pareça uma parte não pertencente ao tronco.

A história então se arrasta até a cena de batalha, que pretendia ser o momento de ápice. A cena é completamente sem graça, também faz mal (ou pouco) uso da computação gráfica, com uns soldados pingados a batalhar no plano de fundo da luta entre Alice e o Jabberwocky, nos deixando na carência de empolgação. Pode haver quem argumente que é uma obra direcionada para as crianças. Respondo a este hipotético comentário que um filme em que a personagem principal pula na cabeça de cadáveres para atravessar um rio não me parece ser infantil, ao menos não deveria.

Para fechar com chave de ouro, a história termina como começou, sem pé nem cabeça. Ela volta do país das maravilhas e, sem ter motivação do que fazer, ela dança, e, junto com ela, dança toda a equipe do filme. Sem esquecer da Avril Lavigne nos créditos. Se eu fosse um fã de Alice no País das Maravilhas com certeza esse filme não entraria para a minha coleção de bugigangas "alicescas".

Tim na cidade das maravilhas

2010-05-12T05:13:00.000-07:00

Hoje começa o Festival de Cannes 2010. Um ano cinematográfico se inicia para nós, já que a Palma de Ouro é a primeira premiação de várias outras que a sucederão esse ano. E, além disso, é importantíssimo para saber quais filmes cult chegarão até as telas brasileiras.

O presidente da 63ª edição do Festival será Tim Burton. Um nome ilustre para uma seleção de poucos conhecidos – na pele dos paparazzi, o que é um Alejandro González Iñárritu perto de Quentin Tarantino e Brad Pitt, que passaram por lá no ano passado? No entanto, a compensação será feita hoje, com a apoteótica abertura do festival com Robin Hood, de Ridley Scott – sem Ridley Scott, já que ele vai ficar de molho em casa para se recuperar de uma cirurgia em um dos joelhos.

Mas a pergunta que não quer calar é “o que se passa na cabeça de Tim Burton?” Um diretor que tem um grande peso no cinema mundial terá um grande peso na decisão do que se esperará do circuito de 2010. Por estar entre o limiar do cinema de autor e do cinema comercial, podemos esperar de tudo.

A seleção em si já teve surpresas, principalmente pela inclusão de última hora de Route Irish, de Ken Loach (À procura de Eric, crítica aqui). Sem mais delongas, confira a página do Festival e a lista dos filmes que concorrem à Palma de Ouro nesse ano (com traduções não-oficiais dos títulos):

Tournée (Turnê), de Mathieu Amalric

Des Hommes et des Dieux (Homens e deuses), de Xavier Beauvois

Hors la Loi (Fora da lei), de Rachid Bouchareb

Biutiful, de Alejandro González Iñárritu

Un Homme Qui Crie (Um homem que grita), de Mahamat-Saleh Haroun

The Housemaid (A governanta), de Sangsoo Im

Copie Conforme (Cópia certificada), de Abbas Kiarostami

Outrage (Ultraje), de Takeshi Kitano

Poetry (Poesia), de Chang-dong Lee

Another Year (Outro ano), de Mike Leigh

Fair Game (Jogo limpo), de Doug Liman

Schastye Moe (Minha alegria), de Sergei Loznitsa

La Nostra Vita (A nossa vida), de Daniee Luchetti

Utomyonnye Sontsem 2: Predstoyanie (Queimado pelo sol 2: o êxodo), de Nikita Mikhalov

La Princesse de Montpensier (A princesa de Montpensier), de Bertrand Tavernier

Route Irish (Rota irlandesa), de Ken Loach

Loong Boonmee Raeuk Chaat (Tio Boonmee e suas vidas passadas), de Apichatpong Weerasethakul

Rizhao Chongqing (Chongqing Blues), de Wang Xiaoshuai

Szelíd teremtés - a Frankenstein terv (O filho carinhoso - projeto Frankenstein), de Korné Mundruczó

Matizes negras

2010-05-12T03:56:00.000-07:00

O Cadernos noticia mais uma mostra na Caixa Cultural do Rio de Janeiro (Av. Almirante Barroso, 25, Centro, perto do metrô Carioca). A terceira edição da mostra Espelho Atlântico vai até este domingo, 16 de maio, trazendo uma seleção com a maioria das produções externa à África, com apenas três filmes de países africanos, sendo que o documentário do Gana é em parceria com os Estados Unidos. Haverá, entre filmes brasileiros e estrangeiros não-africanos, o documentário senegalês Yandé Codou, uma griot de Senghor e o longa Quero um vestido de noiva, do Zimbábue.

O grande destaque para quem quer conhecer mais da questão étnica no Brasil na dramaturgia, o filme Em quadro - a história de 4 negros nas telas mostrará a trajetória de Milton Gonçalves, Zezé Motta, Léa Garcia e Ruth de Souza, mostrando também bastante do ótimo Cinema Brasileiro que foi feito por esses grandes artistas.

As sessões custam R$ 4 (inteira) e R$ 2 (meia). Para mais informações (sinopse dos filmes, programação etc.) clique aqui. Leia o release:

A CAIXA Cultural apresenta a “III Espelho Atlântico – Mostra de Cinema da África e da Diáspora”, que traz ao Rio de Janeiro sua primorosa seleção de filmes africanos e da diáspora negra. O evento acontece de 11 a 16 de maio, com exibições simultâneas nos cinemas 1 e 2.

A mostra “Espelho Atlântico” é uma rara oportunidade de assistir a importantes títulos, alguns inéditos por aqui, capazes de provocar uma profunda reflexão sobre os pontos de identificação e convergência entre as identidades brasileira, africana e ocidental.

Esta terceira edição proporcionará uma abordagem atual e significativa da produção cinematográfica africana contemporânea e da realizada fora do continente, mas que dialoga diretamente com a herança cultural do continente africano.

Falar de diáspora é reconhecer que a África vive. Não só nos territórios africanos de hoje, com sua enorme diversidade de povos e culturas, mas principalmente na Europa e Américas. Em todos esses lugares, o que é branco, europeu, ocidental e colonizador sempre foram os elementos considerados positivos, o que reflete na cinematografia.

A mostra “Espelho Atlântico” destaca o que comumente é posicionado em termos de subordinação e marginalização: o pensamento, os sentimentos e os traços negros – de africanos, escravizados e colonizados.

De cabo a rabo

2010-05-11T16:13:00.000-07:00

O bandido da luz vermelha de Rogério Sganzerla

Para quem valoriza o cinema brasileiro e nem sempre consegue achar bons filmes em cartaz, a Cinemateca do MAM fez uma seleção de renomados títulos nacionais para exibição. Aí vai a programação desta semana:

Qui 13

18h30 – O judeu de Tom Job Azulai. Brasil/Portugal, 1996. Com Felipe Pinheiro, Dina Sfat, Mário Viegas. 85’. >> O filme narra a história de Antônio José da Silva, brasileiro chamado de “o judeu”, que foi torturado pela inquisição por crime de judaísmo. O filme era um projeto do cineasta Alberto Cavalcanti. Classificação etária – 16 anos.

Sex 14

18h30 – A casa assassinada de Paulo César Saraceni. Brasil, 1971. Com Norma Bengell, Carlos Kroeber, Nelson Dantas. 103’. >> Baseado na novela de Lúcio Cardoso. Uma carioca chega a uma mansão de uma tradicional família no interior de Minas para se casar com o filho mais novo do clã. Classificação etária – 14 anos.

Sáb 15

16h – Lábios sem beijos de Humberto Mauro. Brasil, 1930. Com Didi Vianna, Paulo Morano, Lelita Rosa. 53’. Sessão com acompanhamento de piano ao vivo por Cadu. >> Moça rica, moderna e mimada se apaixona por um homem. Por coincidência de nomes, pensa que sua irmã caçula também está apaixonada por ele, o que a faz romper o namoro. Classificação etária – livre.

18h – O bandido da luz vermelha de Rogério Sganzerla. Brasil, 1968. Com Paulo Villaça, Helena Ignez, Sérgio Mamberti. 92’. >> Assaltante de residências de São Paulo, alcunhado o bandido da luz vermelha, aterroriza a cidade com sua ousadia e suas técnicas inusitadas de ação.

Classificação etária – 14 anos.

Dom 16

16h – Cabra marcado para morrer de Eduardo Coutinho. Brasil, 1984. 119’. >> No início dos anos sessenta, um líder camponês é assassinado no nordeste. Com o golpe militar, as filmagens foram interrompidas e só foram retomadas dezessete anos depois, focando na viúva e seus dez filhos. Classificação etária – 14 anos.

18h – Rio Zona Norte de Nelson Pereira dos Santos. Brasil, 1957. Com Grande Otelo, Malu Maia, Jece Valadão. 86’. >> O filme retrata o cotidiano dos morros cariocas e a história de um compositor que teve seus sambas roubados por um radialista. Classificação etária – Livre.

A programação completa você acessa aqui. Ainda haverão as pré-estréias dos restaurados Berlim da Batucada (1944) de Luiz de Barros e Bonequinha de Seda (1936) de Oduvaldo Vianna nos dias 20 e 21 de Maio.

Metrópoles

2010-05-07T13:38:00.001-07:00

São Paulo S.A., de Person

O Cadernos te indica mais uma mostra que vai fazer muita gente viajar mundo afora! A mostra O cinema e a grande cidade tomará o Instituto Moreira Salles do Rio (Rua Marquês de São Vicente, 476, Gávea) dessa sexta, 7 de maio, até o dia 27.

Filmes com tramas que relacionam seu espaço com os personagens são muito ricos para buscarmos diferentes olhares sobre a questão da relação do homem e seu meio. Além disso, grandes diretores sempre têm diferentes visões sobre determinadas cidades, como Hugo Carvana e Nelson Pereira dos Santos sobre o Rio de Janeiro.

A doce vida, de Fellini

É também uma grande oportunidade para ver (ou rever) grandes clássicos na telona. Manhattan, A doce vida, Hiroshima, meu amor e Último tango em Paris marcaram a história do cinema e eternizaram suas cidades em sua época em película. De Nova York a Argel, de Salvador a Moscou, de Bruxelas a Tóquio, essas viagens já cumpriram seu destino de chegarem a muita gente – agora falta você chegar até elas.

Haverá várias sessões em todos os dias de funcionamento do IMS (terça a domingo), e os cartões de embarque saem por R$ 10 a inteira e R$ 5 a meia. Para programação completa, sinopse dos filmes e folheto da mostra, visite a página da mostra. E boa viagem!

Kino vermelho

2010-05-03T21:38:00.000-07:00

Sem ter o que fazer nas quartas? Sem dinheiro nem para pagar a sessão mais barata da semana? Tédio e desilusões cine-financeiras te deprimem?

O Cadernos traz a solução para você! Que tal viajar? É, para a Alemanha! E que tal conhecer o mundo cinematográfico da Alemanha Oriental? É o que o SESC Copacabana (Rua Domingos Ferreira, 160 – na altura da Rua Santa Clara) propõe: filmes da DEFA de 1946 a 1992. As sessões acontecem todas as quartas, sempre às 19h – com distribuição de senhas meia hora antes de cada sessão. Sim, é digrátis!

A mostra começou no dia 28 de abril (sendo que recebemos a newsletter no dia 30), mas vai até a última quarta de maio, dia 26. Os quatro títulos do mês são Sabine Kleist, 7 anos; Rastro de pedras; Os arquitetos; e O muro. Veja as sinopses e programe-se!

5 maio, 19h: Sabine Kleist, 7 anos

Sabine Kleist, 7 Jahre, 1982, 72 min, cor. Direção: Helmut Dziuba. [livre]
Sabine passou a infância em um orfanato após a morte dos pais. Foge do orfanato no
mesmo dia em que sua educadora entra em licença-maternidade. Por vários dias e noites
perambula sozinha pelas ruas de Berlim Oriental, antes de se apresentar à polícia e
retornar ao "lar". Realização da DEFA completamente atípica.

12 maio, 19h: Rastro de pedras

Spur der Steine, 1966, 129 min, pb. Direção: Frank Beyer. [12 anos]
No canteiro de obras, desleixo e oportunismo prevalecem. Quando a jovem engenheira e
o recém-empossado secretário do partido chegam, conflitos estão ocorrendo, pois
equilíbrio precário entre a direção e os funcionários ameaça ruir. Foi censurado em
dezembro de 1965, retirado de cartaz, e só voltou em novembro de 1989.

19 maio, 19h: Os arquitetos

Die Architekten, 1990, 102 min, cor. Direção: Peter Kahane. [12 anos]
Daniel Brenner só participou de projetos padronizados. Por indicação de um
ex-professor, é nomeado arquiteto-chefe para uma nova área residencial. Seus sonhos
esbarram nas imposições da burocracia. Parte do Muro teve de ser reconstruída para as
cenas ocorridas em 1989. Esse filme foi a última produção da defa.

26 maio, 19h: O muro

Die Mauer, 1990, 96 min, cor e pb. Direção: Jürgen Böttcher. [livre]
Registro da queda da fronteira entre as duas Alemanhas, marcando o fim da RDA e a
vitória da Alemanha Ocidental. Turistas japoneses fotografam, crianças de origem turca
tiram pedaços para vender, várias equipes de filmagem do mundo todo em ação,
testemunhas dos últimos momentos do "idealizado muro de proteção antifascista".

E bom filme!

Megalomania op

2010-05-02T19:12:00.001-07:00

Por Gabriel Giraud

O paraíso de todo diretor de cinema é ter seu filme classificado com “sem restrições orçamentárias” por seu estúdio. O documentário sobre o filme inacabado O Inferno, de Henri-Georges Clouzot, recebeu esse honraria assim que os produtores viram os testes de filmagem. Nem o céu era o limite para eles.

Eis a ideia do filme: um homem se casa com uma mulher, eles vão a um hotel de veraneio na margem de um lago, ele tem ciúmes da esposa. A gente até pensa numa vibe meio Dom Casmurro, tem até um Escobar com pinta de Don Juan no filme.

No entanto, quando um gênio resolve fazer um filme, nada é assim tão simples. Clouzot não queria pouco; ele queria revolucionar o cinema francês. Queria repensar os aspectos visuais do cinema, sacudir a nouvelle vague. O marido, ciumento, começa a ter distorções da realidade que o cerca, de modo que tudo converge à concretização do adultério por sua mulher.

E as distorções partem da repetição obsessiva de suas palavras, que vão seguindo um tom psicótico. E a realidade, no filme, em preto-e-branco, atinge um ápice de loucura em cores doentias. Cores estas que estavam florescendo nos anos sessenta, com influências da op art e da arte cinética.

Eis a matéria de O Inferno de Henri-Georges Clouzot, de Serge Bromberg e Ruxandra Medrea. Eles nos levam ao espanto e à atração causada pela deformação da realidade concebendo padrões estéticos no campo multicor e geométrico aliados à narrativa. E Clouzot pôs sua equipe em histeria nos seus devaneios artísticos. Mas não é só técnica que brinda e faz brilhar os olhinhos do espectador. Romy Schneider é o ícone do filme, aparecendo em todas as cores e luzes, e, ainda, além de ser a protagonista do filme não-realizado, é a heroína do documentário por ter conseguido segurar a onda do diretor.

Além da estupefação, a grande sensação que esse documentário nos deixa é, definitivamente, frustração. Não só apenas por estar no limbo uma quase obra-prima, mas por evidenciar a monstruosidade que um gênio pode ter quando vive o purgatório de filmagens que não acabam. Clouzot faria seu paraíso fundando um marco histórico no Cinema. E, certamente, vários Clouzots já passaram por esse mundo – pena que só o inferno de um deles é colorido.

Divertimento e diversão

2010-05-01T14:03:00.000-07:00

Por Rafael Mathias

Quer fazer filme blockbuster, faça direito! Quer ver filme blockbuster, escolha direito! E a escolha certa seria Homem de Ferro 2. Pra quem gosta de superproduções o filme é um prato cheio; pra quem não gosta, fica difícil resistir.

Diferentemente do primeiro filme sobre o super-gênio-milionário-fanfarrão-herói Tony Stark, esta continuação tem seu foco, sobretudo, nas cenas de ação. E não pense que isso é uma coisa ruim. As sequências são de tirar o fôlego, e fazem seu ingresso+pipoca valerem a pena.

Percebi muitos erros de continuidade grotescos. Algumas cenas são difíceis de engolir, mas convenhamos, se tratando de Homem de Ferro 2, entramos na sala de cinema exatamente para vivenciar o impossível.

Mas a superação vem no descaso e o desapego de Stark, chave do filme e mérito total da ótima atuação repetida por Robert Downey Jr. no papel. O filme é recheado de ótimos diálogos e tiradas sensacionais. Mickey Rourke se encaixa bem no papel do vilão, que disputa em estilo com Stark. Todos os outros personagens tem figurinos bastante quadrinescos. Esse é o segredo dos dois filmes, o bom humor.

Homem de Ferro já pode ser considerada a franquia mais bem sucedida da Marvel Studios (mais ainda do que Homem- Aranha, na minha opinião), assim como Batman nos cinemas pela DC. O que os dois tem em comum? São ótimas histórias de super-herói adaptadas dos quadrinhos, de dois milionários e seus incríveis equipamentos. O que os dois tem de diferente? Christopher Nolan e seu Batman são mau-humorados, já Jon Favreau e seu Homem de Ferro são simpatia pura. Portanto, divirta-se.

Cenas: A luta do novo Rhodes e contra Tony Stark armaduras só vale pela música. A sequência de Scarlett Johansson em seus malabarismos vale o filme todo. A cena pós-créditos é orgástica para os fãs de quadrinhos.

A chave de 'O Segredo dos Seus Olhos'

2010-05-01T10:40:00.000-07:00

Você sabe quem é Akira Kurosawa? Sua carreira se esticou ao longo de 50 anos, com 30 filmes, dois Oscar de melhor filme estrangeiro e um prêmio honorário da Academia de Hollywood. Com o apoio de cineastas como: Francis Coppola, George Lucas e Martin Scorcese, obteve recursos para criar obras-primas modernas e ser reconhecido por seu estilo. Kurosawa não seguia uma linha, criou desde dramas históricos samurais à crítica da sociedade e adaptações da literatura. Seu primeiro filme, Sugata Sanshiro (1943) foi catalisador para sua popularidade e deixou as audiências ocidentais fascinadas com os seus trabalhos, nos quais muitos cineastas se guiam e estudam até hoje.

Falando nisso, saiu na Folha de São Paulo um texto sobre os 100 anos de Akira Kurosawa, onde podemos ler sobre cenas de filmes atuais inspiradas nos clássicos do cineasta. E adivinha o filme relacionado com às obras do diretor japonês? Exatamente, o premiado O Segredo dos seus Olhos! A cena da perseguição num estádio lotado lembra muito a do Cão Danado (1949), filmado em Tóquio pelo Kurosawa - a diferença é que em um o jogo é de futebol, no outro é um jogo de beisebol. Agora, lembra daquela outra cena do argentino em que a câmera filma um estádio de longe para sobrevoá-lo e assumir o ponto de vista da torcida? Aqui embaixo você pode ver como foi feita:

Nada mal, né?

Merhaba!

2010-05-01T07:39:00.000-07:00

O Cadernos entra com mais um post de serviço para nosso caríssimo público. Dessa vez, viemos trazer a notícia de uma mostra que começou dia 27 de abril (terça) e vai até dia 9 de maio (domingo e dia das mães!). É a mostra Pérolas do Cinema Turco, que vai rolar na Caixa Cultural do Rio (na Carioca, R. Almirante Barroso, 25). Os filmes retratam a diversidade da Turquia, um país que tem suas influências culturais na divisa do Ocidente e o Oriente, além de ter uma língua única, pelo fato de ter sido regularizada e, de certa maneira, artificializada, na década de 20. A Turquia é o único país do mundo muçulmano que é laico, e isso é uma das controvérsias que permeiam esse belíssimo país.

Press release da assessoria da CAIXA:

A CAIXA Cultural Rio de Janeiro apresenta, de 27 de abril a 9 de maio, “Pérolas do Cinema Turco”, mostra cinematográfica que traz ao público a oportunidade de assistir aos mais importantes filmes produzidos na Turquia de 1964 a 2006.

Um olhar da história do cinema turco, esta é a proposta do curador da mostra, Arndt Röskens, ao selecionar para a programação dez de seus filmes mais apreciados. Uma oportunidade única, pois embora nos últimos 50 anos se tenha produzido na Turquia um número considerável de filmes de boa qualidade – alguns com enorme repercussão internacional –, a maior parte de seus títulos nunca foi lançada no circuito comercial ou em DVD no Brasil.

Entre os filmes exibidos estão três do maior cineasta turco, Yilmaz Güney, “Esperança” (Umut / Hope, 1970), que entrou na história do cinema turco pela altíssima qualidade cinematográfica; “O rebanho” (Sürü / The Herd, 1978), que foi dirigido por Güney de dentro da prisão e tem sua direção formalmente atribuída a Zeki Ökten; e, por fim, o filme mais popular do diretor, “O caminho” (Yol / The Way, 1982), também dirigido enquanto o cineasta estava preso por conta de suas atividades políticas nos anos 70. Todas a produções de Yilmaz Güney serão exibidas em película 35mm.

A mostra, também, vai exibir o grande clássico do cinema turco, “Verão seco” (Susuz Yaz / Dry Summer, 1964), que ganhou o Urso de Ouro no Festival de Berlim de 1964. O seu realizador, o cineasta Metin Erksan, foi recentemente homenageado com uma retrospectiva da Cinemateca Francesa, em Paris. O filme conta a disputa entre dois irmãos no interior da Turquia por uma mulher e, como pano de fundo igualmente importante, a luta pela água nas terras secas do campo.

A mostra "Pérolas do Cinema Turco“ traz, ainda, mais seis filmes de grandes cineastas. Dois importantes filmes de Ömer Kavur e Atif Yilmaz – cineastas há muito consagrados e com inúmeras realizações no currículo –, além dos primeiros filmes de Nuri Bilge Ceylan, Reha Erdem, Yesim Ustaoglu e Zeki Demirkubuz – cineastas contemporâneos mais recentes e que estão despontando no cenário internacional.

E vale lembrar que as sessões acontecem todos os dias (exceto segunda-feira), em duas salas com duas sessões cada: 17h e 19h30. A inteira sai por R$ 4 e a meia, R$ 2. Mais informações no site da Caixa: www.caixa.gov.br/caixacultural. Allaha ısmarladık!

Para sua irmãzinha

2010-04-26T16:35:00.000-07:00

Por Gabriel Giraud

Belos adolescentes sem espinhas!

E QUAL é o assunto do momento? O babado que o Cadernos não podia ficar de fora? Hein? Hein? Não é a Alice, nisso a gente já está trabalhando, mas o furor que Alice causa não chega nem perto do furooor que sua irmãzinha mais nova sente quando vê aqueeele vampirão nas telonas.

Sim, é o novo-ultimate trailer do filme que vai bombar no dia 30 de junho! Sim, é o filme que você verá arrastado pela sua irmãzinha assinante da Capricho e da Toda Teen! Sim, é o filme com os vampiros e lobisomens por quem todas, ah!, suspiram! Sim, é o filme cuja atriz principal parece que congelou a sua cara de quem peidou na farofa azeda! Siiiimmm!!

Eclipse põe suas garrinhas de fora e mostra que a batalha entre vampiros e lobisomens vai ser emo-cionante! Esse trailer saiu nessa semana e todo mundo só comenta sobre ele na blogosfera, twittosfera e qualquer outro neologismo cibernético sufixado por –sfera. E mais! Novos stills caíram na rede. O Cadernos acha o vampiro mais bonito, falamos logo./tozuando

Expressividade!

A menina do meio deu mó tossidão apresentando o Oscar.

Meio cheio ou meio vazio?

2010-04-25T14:54:00.000-07:00

Por Rafael Mathias

Pare de se iludir. Você não vai conseguir tudo que quer da forma que quer, então fique com “o que funcionar”. Essa é a mensagem transmitida no discurso inicial do novo filme de Woody Allen, Tudo Pode Dar Certo. Tradução ruim de Whatever Works, que significaria literalmente “o que funcionar”, como já citado ali em cima. Também seria um péssimo título, mas o problema do título brasileiro é que transmite exatamente a mensagem oposta à do longa.

“Esse não é o filme ‘sinta-se bem’ do ano”, essa frase, incluída no discurso do protagonista Boris Yellnikoff (Larry David), expõe um personagem atípico aos tradicionais filmes de comédia romântica, mas típico das desventuras woodyallenianas. Boris é introduzido como um ser pessimista em uma “conversa de bar” e nos confirma isso ao conversar conosco. Sim, ele vira para a tela e inicia um discurso explicativo. Este recurso metalinguístico é ótimo para proporcionar uma maior identificação com Boris, de personalidade odiável e desinteressante para a maioria.

Larry David é Boris Yellnikoff que é Woody Allen. Aquele personagem neurótico que foi abandonado por Woody Allen há muito tempo, ressurge com a volta do diretor a Nova Iorque. Ninguém melhor que David (sem clichês) para interpretar esse personagem, com espontaneidade e sem nenhum tipo de overacting. Isso se deve ao fato de que em sua série Curb Your Enthusiasm (Segura a Onda) ele é tão neurótico quanto Boris (ou Allen), e mais, ele interpreta a si mesmo na série, como uma espécie de diário roteirizado. Para quem não sabe, Larry David é o co- criador e roteirista de Seinfeld.

O elenco de apoio é essencial, a coadjuvante Evan Rachel Wood interpreta com brilhantismo um estereótipo suave de garota do Mississipi. E os estereótipos são características chaves no filme. As personalidades de cada personagem, que a princípio pareciam imutáveis, se transformam para adaptando às situações.

Whatever Works no final das contas tem uma mensagem positiva, opositória ao inconformismo detalhista da sociedade contemporânea. Se satisfaça com o que for suficiente, resumindo “o que funcionar”.

Sobre olhos e tetas

2010-04-23T18:17:00.000-07:00

Por Gabriel Giraud

Atendendo pedidos e promessas, ela chegou! A crítica de O Segredo dos Seus Olhos, o filme argentino que ganhou o Oscar de melhor filme estrangeiro, desbancando A Fita Branca e A Teta Assustada. Filme maravilhoso, uma história cheia de tensões e mistérios, uma reflexão sobre o tempo, a paixão e a memória. Uma obra-prima! Estupendo! Fabuloso! Espetaculaaar!

Tiro no pé número um: trilha sonora. Todos adoraram como o filme trata de uma história de amor por trás de tantos panos: um homem relembrando um caso, uma investigação, tensões profissionais... Mas quando toca aqueeela musiquinha fofa em violininhos... E isso mata o roteiro, que não tinha nada de meloso. A química que seria uma consequência da relação profissional entre Espósito e Irene é antecipada pela trilha. Além disso, a trilha cala silêncios que queriam berrar, principalmente [SPOILER] quando se descobre o prisioneiro perpétuo de Morales [/SPOILER]. Definitivamente, cinema não é só imagem – pena que ainda tem muita gente que não se toca disso.

Tiro no pé número dois: atuação da personagem de Irene. Digressão rápida: vocês se lembram de Zoolander? Sim, Zoolander, aquele besteirol americano onde o personagem-título, encarnado por Ben Stiller, é um modelo internacional e sabe fazer vários olhares, mas que todos os seus olhares fatais, na verdade, são os mesmos. Pois bem, é essa mulher. Todo olhar fofinho dela que era lançado ao protagonista tinha a mesma cara. E ela tem olhos muito bonitos! Mas aquele olharzinho com aquele sorrisinho de “oi-eu-acho-que-eu-tô-gostando-de-você” me cansou. Podem me xingar, mas a Irene ficou meio flutuante entre a mulher decidida e a indecisa.

Sim, o filme é muito bem dirigido, as cenas são lindas e, ao contrário de muita gente, achei o encadeamento das cenas muito fluido. E o plano-sequência no estádio de futebol é divertidíssimo – bem, qual plano-sequência não é divertido? Mesmo assim, ainda achei uma injustiça deeesse tamanho o Oscar não ter ido para o peruano A Teta Assustada. Um visual incrível, cheio de aridez e cores e closes e planos abertos; uma história louca, mas cheia de poesia e psicologia; relações que são difíceis de entender e atuação e direção justíssimas. Eu daria cinco estrelas para A Teta, mas para O Segredo dos Seus Olhos...

Top top

2010-04-22T17:48:00.000-07:00

Por Gabriel Giraud e Rafael Mathias

Se você teve compromisso, casou, bebeu demais, estava sem grana, brigou com a namorada ou com o senhor seu marido, ficou de castigo ou foi preso, não importa! Agora você vai poder ver (ou rever) aqueeele filme maneiro que já saiu de cartaz. E por um precinho legal!

A nova mostra do Instituto Moreira Salles com os melhores filmes de 2009 segundo a crítica vem com vários títulos legais. E, como crítica é com a gente, o Cadernos decidiu fazer a listinha com a crème de la crème: os melhores filmes segundo o Cadernos dentro da mostra dos melhores filmes de 2009.

Primeiro, Tarantino. A obra-prima – para muitos – de Quentin Tarantino nos criou uma excitação sanguinária pela Segunda Guerra. Os diálogos, como sempre, memoráveis... mas as que são proferidas pelo ganhador do Oscar de melhor ator coadjuvante Christoph Waltz nos levaram ao delírio. Leia mais sobre os Bastardos aqui.

O sueco Deixa Ela Entrar (Låt den rätte komma in) ficou várias semanas na salinha 3 do Estação Botafogo, quase sempre com sua única sessão lotada. O clima frio e tenso do filme, as psicoses do menininho que sofre bullying, a vampira e seu tutor assassino são elementos que podem arrepiar qualquer um. Mas o lirismo que a relação deles tem forma um contraponto interessantíssimo, onde as monstruosidades da vampirinha são aceitáveis e perdoáveis. Impossível não amá-los, ainda mais com uma história tão simples e tão original.

Clint Eastwood aparece em dobro na mostra, e recomendamos os dois filmes. A Troca (Changeling) tem uma linda fotografia, um roteiro convincente, cheio de mistério e uma Angelina Jolie madura na atuação. Gran Torino mostra como a tolerância e o respeito conquistam até um homem que parece um galho seco de tão morto. E também mostra como a família pode parecer estranha e como a amizade pode nascer das diferenças. Simples e marcante, com uma direção muito contundente e direta.

Marcando presença na nossa listinha, não poderia faltar um filme tupiniquim. Bem, o protagonista se trata de um dinamarquês. Cidadão Boilesen é um documentário não apenas sobre esse homem que contribuiu com a ditadura militar, mas também como a ditadura era bastante civil, financiada por empresários. E a narrativa tem umas tiradas quase que pop, com musiquinhas ritmadas que fazem do filme uma aula didática e interessante.

E o filme que causou discórdia entre os membros do Cadernos, mas que é um dos favoritos de muita gente, é o último de Almodóvar. Abraços Partidos (Los Abrazos Rotos ), antes de contar uma história, faz uma ode ao cinema. Usando o Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos para homenagear o nosso amado mundo audiovisual, ele cria uma trama bem típica, com idas e vindas e altos e baixos e, sobretudo um visual digno de exposição de cada frame da sua película. Penélope brilha com as cores de Almodóvar. E os acontecimentos que acontecem por um triz sempre nos arrepiam.

A mostra começou na terça dia 20 e vai até quinta-feira, dia 29. Algumas sessões serão seguidas por debates com especialistas do universo cinematográfico. Há vários outros títulos, como Entre os Muros da Escola (Entre les Murs), Garapa e Foi Apenas um Sonho (Revolutionary Road), veja a programação aqui. Os preços são 10 reais a inteira e 5 a meia. Esperamos que vocês aprovem nossa seleção! E... quais as apostas que vocês já têm para 2010?

Fora de Sintonia

2010-04-21T21:37:00.000-07:00

Por Rafael Mathias

Para quem gosta de sitcoms, um filme que tem Tina Fey e Steve Carell como protagonistas é promessa de comédia em dobro. Mas nem todas as promessas nos são cumpridas. Em Uma Noite Fora de Série, os protagonistas de The Office e 30rd Rock saem de suas séries para fazer um casal sem graça, num filme sem graça.

Todos os elementos criados para se destruir um filme de comédia estão presentes na trama: casal se metendo em confusões extracotidianas, péssimos atores como vilões, cenas de perseguição que desafiam todas as leis da física, e, o pior de tudo, o não respeito do tempo real aceitável (sabe aquelas cenas em que uma bomba marcando 10 segundos no cronômetro demora 1 minuto pra explodir, pois é, similar, só que sem edição). O próprio filme parece fazer pouco caso da história exibida, ao nem tratá-la com seriedade nem ironia, e sim com uma comicidade superficial.

O elenco de apoio, cheio de celebridades, se ridiculariza só de abrir a boca. Steve Carell continua sendo um ótimo comediante e cai bem no papel que lhe foi designado, a cara de besta ajuda, a de Tina Fey não. Não há praticamente nada a se aproveitar no filme. Triste para os fãs das séries, triste para o cinema de comédia atual. Um rabisco pelo Carell, para não dar zero.

Solta a roda e vira

2010-04-21T11:34:00.000-07:00

A segunda edição do Viradão Carioca veio meio capenga – adiada devido às chuvas que ocorreram no Rio há duas semanas – mas vai tentar bater o seu nem tão estrondoso sucesso do ano passado. A Virada Cultural, evento já tradicional em São Paulo, replicou-se nessa versão carioca baseando-se nos pilares acesso à cultura, integração e ocupação da cidade. O Viradão vai acontecer nessa sexta, sábado e domingo (23, 24 e 25 de abril).

E é claro que o cinema não poderia ficar de fora! O Cadernos buscou na – infelizmente, nem tão extensa – programação cinematográfica do Viradão e selecionou o que você não pode – ou não deveria – perder.

Sábado e domingo haverá sessões no Cine Santa, em Santa Teresa. Tudo grátis! Mas atenção: as senhas para todas as sessões de cada dia serão distribuídas no próprio dia de exibição, assim que o cinema abrir (por volta de meio-dia, segundo o simpático rapaz que atendeu nosso telefonema). Destaque para os filmes O Homem Que Engarrafava Nuvens e Só Dez Por Cento É Mentira [crítica aqui].

Manoel de Barros na sua desbiografia cinematográfica Só Dez Por Cento É Mentira.

Já no Centro Cultural Parque das Ruínas, também em Santa Teresa, terá sessões de filmes não-narrativos, com VJs e música eletrônica ao vivo. As projeções serão nas paredes das ruínas. A performance audiovisual acontecerá nos três dias do Viradão, sempre no mesmo horário, das 19h às 22h, também grátis. Na verdade, essas performances muito experimentais, diferentes e modernosas nos amedrontam um pouco, mas vai que você não vai estar fazendo nada... quem sabe você conheça pessoas interessantes, pelo menos...

Confira o resto da programação de cinema e outras artes no Viradão Carioca aqui. E só cuidado para não sair virando todas, hein!

Ode ao gauchês teen

2010-04-19T22:42:00.000-07:00

Por Gabriel Giraud

O cinema brasileiro se resume a favela, violência, questões sociais, zero-meias e zé pequenos, certo? Errado. Tem muito filme muito bom que trata do homem-indivíduo, de análises psicológicas, de sentimentos... Noite Vazia (Walter Hugo Khouri), Bicho de Sete Cabeças (Laís Bodanzky) e Eu Sei Que Vou Te Amar (Arnaldo Jabor) são alguns títulos que são como óleo no oceano do cinema brazuca.

Os Famosos e os Duendes da Morte tem uma pretensão de ser um filme revolucionário, pois trata do universo ligeiramente emo dos adolescentes, passando por questões como a rede de contatos virtual e amor, depressão e morte. Além disso, sua estética busca a plasticidade e a perfeição a todo custo, com movimentos de câmeras vazios em significado e enquadramentos fotográficos pelo simples prazer de colorir a tela com um desenho bonito. Bem que minha mãe dizia: “meu filho, se você come chocolate todo dia, você vai acabar esquecendo o quanto é bom comer chocolate”. Aqui é um pouco a mesma coisa: cada travelling charmoso do menino no computador indo da esquerda pra direita, cada luz refletida nos belos cabelos castanhos, cada close naqueles rostinhos burgueses acaba soando como um excesso.

A história também tem a pretensão de mostrar a vida dos jovens de hoje. Então, prepare-se para uma vida vazia, chata e com o iPod no ouvido. As tensões são misteriosas, o que é reconhecível é tudo aquilo que todos nós já conhecemos do universo adolescente: menininho querendo pegar menininha, menininho fumando baseado, menininho na internet, menininho brincando com o outro menininho e, incrementando, menininho numa vibe emo. A relação com a família é relativamente fria, a relação com a cidade é estranha para nós, moradores de uma megalópole.

A criançada é a velha burguesia tête-à-claque com carinha de picolé de chuchu. Bem, há quem goste. No fim, senti que perdi duas horas da minha vida vendo aquilo. Nosso parceiro de blog, Mathias, curtiu, achou original. Pois é, como eu disse, há quem goste. Mas eu ainda queria uma originalidade com algo que fizesse mais sentido. E a nova geração, em vez de ter pretensões de originalidade absoluta, podia dialogar mais com as maravilhosas obras do cinema brasileiro de outras gerações que fogem do feijão-com-arroz cinematográfico.

Tem gente?

2010-04-17T16:31:00.000-07:00

Você já reparou que a maior parte dos filmes de Kubrick possui ao menos uma cena importante que se passa em um toalete? Eu demorei a reparar...

Em Nascido Para Matar (1987), por exemplo, quem não se lembra da cena memorável em que o enlouquecido soldado (Vincent D'Onofrio) estava num banheiro coletivo, sentado num vaso sanitário e armado? Ou em Laranja Mecânica (1971), onde Kubrick nos leva ao W.C., e passamos a apreciar Alex (Malcolm McDowell) se aliviando após estuprar a dona da casa? E, em O Iluminado (1980), na cena do banheiro em que o garçom diz ao Nicholson que matou a mulher e a filha por elas discordarem dele e Nicholson se vê próximo a mesma situação?

Talvez tantas cenas no banheiro sejam apenas um reflexo kubrickiano, no qual descobrimos que este é o lugar onde nos sentimos mais a vontade em casa, e por isso nos permitimos fazer praticamente qualquer coisa. Será?

Um Filme Legal

2010-04-17T11:05:00.000-07:00

Por Gabriel Giraud

É sempre um tremendo desafio falar sobre filmes de ação. Ou é maneiro, ou é clichê. Bem, até os maneiros são clichê, mas, por alguma razão de identificação, nós gostamos. Mas imagine você vendo só borrões; a câmera fica naquele treme-treme de guerra e tensão psicológica e tem um corte a cada segundo. Até os diálogos fora de campo de guerra têm o treme-treme. A câmera grita (recomendo um saquinho emergencial ao seu lado). O mais engraçado disso tudo é que eu saí do cinema falando pra mim mesmo “caramba, que filme legal!”.

Sim, é mais um filme do Matt Damon cheio de ação. Mais um filme do diretor dos filmes Bourne cheio de ação. Mais um filme da Guerra do Iraque cheio de ação. Mais um thriller cheio de ação. É mais um filme de ação – é verdade que tem tanta ação que deixa a gente até meio tonto –, mas ele prende a gente. Não pela ação em si, mas pelo suspense que é criado. O subtenente vivido por Damon estranha os “tiros na água” com os quais sua tropa vem se deparando. Eles têm que achar armas químicas e biológicas. Mas nunca acham. Não precisamos nem ser adivinhos para saber o porquê de eles nunca acharem as armas. Descobri o fim do filme aos dez minutos. Mas ainda sim é um filme legal.

Nesse suspense há duas alas rivais dentro do exército americano, o Pentágono, representado pelo personagem vivido por Greg Kinnear (o irmão gêmeo siamês de Matt Damon no filme Ligado Em Você, sim, recordar é viver!) e uma jornalista que usa o personagem de Kinnear como fonte para seus artigos. E todo mundo já sacou a história do filme. As falas são muito machão americano: “we are not playing games, kid” e por aí vai... Mas ainda sim é um filme legal.

Não sei que elementos podem ter causado esse encanto pelo filme. Talvez seja pelas imagens granuladas. Talvez por ser o primeiro filme que eu vejo onde negociar com ditadores fundamentalistas islâmicos é a ação principal do mocinho. Talvez pelos olhos azuis de Matt Damon. Talvez por eu ser uma cria de Domingo Maior com Temperatura Máxima... mas esse longa tem uma cerejinha que definitivamente torna o filme muito legal.

Os cult-nietzschinianos não vão gostar. Mas, assim como eu, muita gente pode achar esse filme... legal.

Amor, ódio e sabres de luz

2010-04-14T20:44:00.000-07:00

Por Rafael Mathias

Selecionado este ano para o Festival É tudo verdade, o documentário O Povo Contra George Lucas aborda a obsessão dos fãs pela saga Star Wars. Seguindo por esse viés, o longa consegue dissecar várias questões relacionadas à produção, distribuição e marketing que originaram e mantiveram a fama do universo Jedi.

O amor de um geek não tem limites, e se tratando de Star Wars é forte à ponto de virar ódio. É em torno disso que se desenrola o filme, e o melhor de tudo, com uma aguçada abordagem humorística.

Com uma grande quantidade de entrevistados (entre eles o diretor Francis Ford Coppola) e material amador reunido, os admiradoes dos filmes e do diretor dão depoimentos expressivos e reacionários. Além disso, parte deste material é formado por produções amadoras dos fanáticos. Além de depoimentos, os vídeos são homenagens, extensões da história, remakes, ou “correções”. Este último existe porque a adoração da geração de fãs dos anos 70 à primeira trilogia, não se repete para a segunda.

A instatisfação dos fãs com os episódios mais atuais, também ocorreu com o lançamento dos DVDs da edição restaurada por George Lucas (que trazia modificações às cenas e à história). O diretor alegou posteriormente que a versão original não estaria mais disponível e os negativos foram destruidos. Isso leva o documentrário para um debate interessantíssimo: de quem seriam, na prática, os direitos de um filme que afetou tanto uma geração e faz parte da cultura pop até hoje?

O documentário é muito mais do que isso. Com uma ótima edição e imparcial da forma como pode ser, os dois anos e meio de produção foram bem aproveitados para nos trazer esse ótimo filme.

Que a força esteja com você.

Belo mundo cruel

2010-04-12T21:33:00.000-07:00

Público para a sessão de "O Deserto da Arte Proibida"

O festival É Tudo Verdade já está rolando no Rio desde o dia 9 de abril e vai até o próximo domingo 18. Nesse ano, além do CCBB, outros lugares estão participando do evento: Unibanco Arteplex, Cinemark Downtown, Ponto Cine Guadalupe, Cine Santa Teresa e Instituto Moreira Salles. Vale MUITO a pena caçar os títulos pela programação, pois muitos não entrarão no circuito comercial, outros serão os cobiçados em outros festivais, como o Festival do Rio e, certamente, todos ampliam bastante nossos horizontes. Além de tudo, todas as exibições são de graça. Segue texto da divulgação, desse link:

O festival chega a sua 15ª edição, sempre trazendo o melhor da produção documental de cada ano. A competição internacional delongas e médias-metragens apresenta 12 títulos, rodados nos cinco continentes, além de nove produções na disputa internacional. Entre os longas estrangeiros destaca-se: O Homem Mais Perigoso dos Estados Unidos: Daniel Ellsberg e os Documentos do Pentágono, de Judith Ehrlich e Rick Goldsmith. Indicado ao Oscar 2010 e premiado no Festival Internacional de Documentários de Amsterdam, o documentário retrata o ex-analista militar americano que divulgou papéis secretos, expondo mentiras de cinco presidentes sobre a Guerra do Vietnã.

Nesta mesma competição, O Jogador (The Player), de John Appel, vencedor do prêmio de Melhor Documentário do Festival de Amsterdam 2009. Partindo de uma história familiar, Appel investiga o vício em apostas. Entre os curtas concorrentes, destaca-se o novo filme do cineasta brasileiro radicado na Espanha, Sergio Oksman. Notes on the Other é um ensaio sobre a identidade a partir de um episódio marcante na experiência espanhola de Ernest Hemingway.

Programação aqui. E, para os atrasados/desesperados (eu!), haverá uma reprise da mostra Retrospectiva Alain Cavalier no dia 19 no Cinemaison, na Maison de France. Bom filme!

Iguacine 2010

2010-04-12T16:39:00.000-07:00

Nesta quinta-feira, dia 15, começa o IGUACINE 2010 (3o Festival de Cinema de Nova Iguaçu). O evento, que termina no dia 21, contará com a exibição de longas e mostras competitivas de curtas. A entrada é franca.

VEJA A PROGRAMAÇÃO AQUI

Teaser de um dos curtas selecionados para a mostra competitiva

MAIS INFORMAÇÕES

Mamãe é de morte [made in Korea]

2010-04-12T01:17:00.000-07:00

Por Gabriel Giraud

Fui comemorar o novo visual do blog indo ver sozinho a estreia de Mother – a busca pela verdade. Vi que a crítica era muito boa e que era um filme coreano. Isso tem se tornado uma constante no mundo do cinema: thrillers coreanos com críticas excelentes. Daí, pra não perder tempo com miudezas, já fui esquadrinhando como o filme devia ser (de acordo com os poucos filmes coreanos que vi): situações extremas de desespero; emoções e reações desmesuradas; psicose/psicopatia; polícia incompetente; mortes violentas; narrativa capciosa; final trágico e pessimista. Pra quem não viu, veja O Caçador (crítica aqui), e os do Ki-duk Kim Time, Fôlego e Casa Vazia. (Apenas Time e Casa Vazia têm exceções nessa listinha.)

Malz aê pelo spoilerzinho, mas, sim, temos todos esses elementos no filme. Nesse caso, a psicopatia superprotetora da mãe é o carro-chefe da história. O assassinato, a acusação do filho com problemas mentais e as descobertas da vida da vítima são os elementos que brincam com a cabeça já não muito boa da velha. E o legal disso é que tudo, todos os detalhezinhos, as minúcias, tudo, tudo, é muito bem feito. Uma coisa leva à outra de tal maneira que você não imagina, mas, uma vez que se tem uma informação, nenhuma outra coisa pode ser verdade. E isso é quebrado majestosamente. “A busca pela verdade” pode não valer a pena. E mais, ela pode ser remediada! Joon-ho Bong, roteirista e diretor do filme, ganhou meu “bravo!”

Mas o que me amedronta, me surpreende e me instiga é como uma narrativa oriental pode ser considerada genial no ponto de vista da crítica ocidental. Parece que estamos sedentos por essa psicopatia social tão características dessas áreas superpopulosas e por uma estética que saia do pop ladygaguiano. Talvez não, talvez seja uma real genialidade desses diretores coreanos que conseguiram, com suas temáticas, transcender com uma narrativa simples e chegar num íntimo humano jamais antes alcançado – o íntimo do desespero (sem apelos ao terror gratuito, mas ao terror como consequência de medidas desesperadas). Questões para pensarmos.

Não sei se você sabe, estimado leitor, que um filme que provavelmente você viu e muito provavelmente você a-m-o-u foi escrito e dirigido por Bong. Tokyo!, aquele filme tríptico com três médias (uma do Michel Gondry, Interior Design; outra do Leos Carax, Merde; e a terceira dele mesmo, Bong, Shaking Tokyo). Esse filminho dele, bem como Mother, trata a sociedade como uma máquina má. Escapa dela quem se isola completamente. Mas deixemos isso de lado.

Por fim, os simbolismos, a estética, a atuação e, principalmente, a narrativa, me fizeram dar o meu primeiro cinco rabiscos. Eu, ao longo do filme, hesitava entre três ou quatro rabiscos, mas, pela primeira vez, eu vi um deus ex-machina que faz o filme ganhar uma dimensão absurda. Uma agulhadinha e – nunca pensei que anestesiar uma dor e a consciência fosse tão simples. Talvez seja por isso que esse filme seduz. Nunca a anestesia e o torpor, tão desejados pelo homem moderno, foram tão francamente expostos.

(Música final maravilhosa. Pena que a p*** do Espaço de Cinema esteja com o som horrível.)

Irmãos Coen x Tarantino

2010-04-10T12:53:00.000-07:00

Tarantino ou Irmãos Coen? Pessoalmente eu gosto mais dos Coen, pela simples razão de eles ridicularizarem usos e costumes, com uma certa predileção por anônimos fracassados em situações totalmente inesperadas e suas reviravoltas... Mas, deixando o favoritismo de lado, quero deixar claro que sou fã dos trabalhos do Tarantino.

Não sei se eles são amigos, se se falam ou não, creio que sim. Mas no vídeo abaixo, o brasileiro Leandro Braga mashupou uma seqüência fenomenal de grandes momentos das filmografias dos diretores, parecem pedaços de um mesmo universo. O humor negro e uma ultraviolência é presente no trabalho dos dois. Eu curti, dê uma checada também.

Contatos de 4º Grau (The Fourth Kind)

2010-04-10T12:06:00.000-07:00

SESSÃO "CEDENDO ESPAÇO"

Por Vitor Lopes

“Sou a atriz Milla Jovovich. Eu vou interpretar a Dr. Abigail Tyler. Este filme é uma dramatização fiel aos eventos de Outubro de 2000. Cada cena nesse filme se baseia em gravações reais. O que vocês estão prestes a ver é extremamente perturbador.”

O trailer já tinha avisado, e o filme começa exatamente com essa explicação. Milla (Quinto Elemento, Joana D’Arc, Resident Evil) interpreta uma psicóloga de uma cidadezinha do interior do Alaska, nos Estados Unidos. A partir de uma série de coincidências entre seus pacientes, ela decide fazer sessões de hipnose com eles para saber o que está realmente acontecendo. Todas as sessões são filmadas pela Dr. Abigail, e são essas imagens de arquivo que servem como base para todo o filme. Além disso, temos a própria psicóloga dando entrevista para um tal de Olatunde Osunsanmi, da Universidade Chapman (?), sobre tudo o que ela tinha presenciado e experimentado na época dos acontecimentos. Ao final do filme, Jovovich e Osunsanmi falam diretamente com o público sobre os bastidores do filme (como quem topou colaborar ou não) e fazem uma reflexão para instigar os expectadores a pensar se acreditam ou não na veracidade da história. E a história, para quem não ouvir falar ainda, é sobre abdução por extras terrestres.

Já ouvi comparações com Bruxa de Blair e Atividade Paranormal, mas aposto que as pessoas que falaram isso não tinham assistido Contatos de 4º Grau ainda. Mesmo que esses outros dois filmes sejam bons, eles apenas se baseiam em histórias reais, mas são 100% ficção. Contatos de 4º Grau (The Fourth Kind) mistura as imagens reais de arquivo com as “representações artísticas”, mostrando que não há romantização alguma. E a edição é a principal ferramenta que torna essa história um filme magnífico, principalmente pelo poder de suspense que ela fornece. Depois de dar uns dois gritos dentro do cinema, olhei para o lado e vi minha amiga encolhida na cadeira, se preparando para o próximo choque. Não adiantou de nada, ela gritou de novo (e eu também).

No fim do filme (leia-se créditos) somos mergulhados numa enxurrada de gravações telefônicas de variadas épocas, cidades e pessoas, relatando algum tipo de experiência com extras terrestres, desde alguém no Kansas que viu uma luz brilhante no céu à uma pessoa em NYC que diz ter sido abduzida por seres de outro planeta. Eu, como a maioria no cinema, fiquei sentadinho na poltrona até o último relato terminar. E por culpa desse aperitivo final, não sabia eu quem tinha dirigido o filme. Há menos de meia hora o Google me contou que foi (agora veja você) o tal do Olatunde Osunsanmi. Esse é apenas o terceiro filme que ele dirige, mas posso garantir que fez um trabalho muito melhor do que centenas de veteranos têm feito por aí ultimamente.

Adidas Originals - Coleção Star Wars

2010-04-07T17:53:00.000-07:00

Notícia um pouquinho atrasada, mas interessante.

A Adidas Originals Star Wars Collection, lançada nos EUA em janeiro, chegou ao Brasil em março. Agora você pode ter uma vestimenta completa de Star Wars e não se sentir tão geek, se bem que ser geek está na moda, então...

Aí vão algumas imagens dos produtos:

Veja mais produtos aqui

Vídeo publicitário com o maior geek do Futebol , David Beckham, e o nerd da informática Snoopy Dogg.

O vídeo é demais e a coleção mais ainda. Bolei sério.

O Pós-festa [Parte 2]

2010-04-07T12:27:00.000-07:00

ESPECIAL OSCAR 2010*

Por Matheus Miguens

Demorou, mas chegou!

Queria primeiro me desculpar com os chatonildos de plantão que me cobram incessantemente essa continuação do post, e depois agradecer a eles. Agradecer também ao patrão-amigo Mathias e Giraud que sempre acreditaram no meu talento (sempre quis dizer isso!) e dia-a-dia mostram ter mais paciência comigo. E o último agradecimento vai para os novos leitores do blog! Mesmo todos não comentando, recebi notícias de novas pessoas que perdem seu tempo útil para ler essa bodega aqui, valeu mesmo. Sem vocês nós não seríamos nada! (Também sempre quis dizer isso!) Vamos ao que interessa.

Fora de propósito que nada! Oscar nunca sai de moda. Vamos falar dele.

Numa desventura pessoal que me aconteceu por esses dias, eu fui alertado de que estaria “confundindo as coisas” no dado momento. Isso parece sempre acontecer comigo – e com quem já não? Pois é, com os filmes não parece ser diferente. Apesar da sua consistência e das excelentes atuações, tenho um leve preconceito com Preciosa, vencedor do Oscar de Roteiro Adaptado (A segunda zebra do ano). Acho um filme apelativo dentro e fora das telas. Um livro de uma autora negra (Sapphire) foi lido por uma mulher negra (Oprah) que quis transformar num filme feito todo por negros para mostrar ao mundo a vida trágica de uma negra (Precious). Por si só, ele já soa preconceituoso. Preciosa enquanto filme é bom, mas é preciso separar as coisas. Confesso que o rejeitei antes de vê-lo, mas isso não tira o seu valor. Entretanto, minha aposta era do ‘favorito’ Amor Sem Escalas (Crítica Up In The Air), ganhador do Globo de Ouro da mesma categoria. Um filme bem contemporâneo de roteiro impecável onde tudo se encaixa, com personagens e diálogos interessantíssimos, e com o humor peculiar do diretor Jason Reitman (Juno;Obrigado Por Fumar). Dei-me mal.

Já em Roteiro Original - pra mim, a categoria mais disputada -, não tinha um favorito. Ganhou o ótimo argumento de Mark Boal por Guerra Ao Terror, cercado por uma certa polêmica – um militar está processando os produtores do filme por afirmar que a história se baseou em sua vida. Na hora de agradecer o Oscar, Boal lembrou os militares que continuam no Iraque e aqueles que morreram em combate. Tudo isso muito bom, muito legal, mas e o Tarantino? O prêmio podia ter sido dele, já que esse filme de guerra aí acabou com a noite! Num estilo prêmio de consolação, acho que Bastardos poderia ter levado, seu roteiro é tão bom quanto. Mas meu voto mesmo era dos irmãos Coen (Fargo; Onde os Fracos Não Tem Vez) – vocês devem estar achando que eu sou maluco - que concorreram com o brilhante A Serious Man. Dificilmente eles iriam ganhar por já possuírem quatro estatuetas, mas fazer o quê, esse foi um voto intencional afetivo. Num tem como, são os Irmãos Coen!

To indo pela ordem do IMDB, mas nesse momento não irei respeitá-la. Vamos deixar direção pra depois...

Atriz Coadjuvante foi a pura marmelada. Com um excepcional trabalho em Precious, Mo’Nique – até então atriz de ‘bobeiróis’ americanos – levou a melhor. Extremamente ovacionada na premiação - e não foi para menos -, ela disse que muitas vezes as pessoas devem deixar de fazer o que agrada para fazer o que é correto. Que isso sirva como elemento decisório para seus próximos filmes, já que, apesar de seus 10 anos de cinema, sua carreira acaba de começar. Parabéns.

A maior zebra da noite já foi apontada no post anterior (filme estrangeiro). Agora, mais do que o prêmio de atriz coadjuvante, é a vez da maior ‘barbada’! Até então, alguém já tinha escutado falar de Cristoph Waltz? Como um ator austríaco de 54 anos com mais de 94 trabalhos na carreira, entre TV e cinema, quase todos regionais, iria chegar à liderança mundial de seu ofício? Pergunta pro Tarantino, foi ele quem planejou tudo. Bastardos Inglórios (crítica Inglorious Basterds) foi palco pro espetáculo do poliglota Waltz, que levou tudo por onde passou (ao todo foram 36 prêmios e 5 indicações ao redor do mundo). Ao receber a estatueta de melhor ator coadjuvante, o gentil e elegante ator agradeceu e elogiou o trabalho do grande Quentin Tarantino, responsável por ter colocado o melhor papel do filme em suas mãos. Merecidíssimo!

O prêmio de melhor atriz foi para Sandra Bullock, acertei. Baseada integralmente no terceiro elemento (predestinação) que define um ganhador do Oscar, a minha aposta foi pra ela. Não diria que foi injusto. Bullock levou a estatueta por questões políticas, pela sua história no cinema, Oscar também é isso. Carismática, já participou de alguns filmes importantes e é tida como uma ‘queridinha’ de Hollywood. Mas pelo amor de deus, o filminho-sessão-da-tarde Um Sonho Possível não foi nem de longe a melhor atuação de Bullock e muito menos a melhor do ano. As concorrentes Meryl Streep e Helen Mirren eternamente são melhores que as demais. Carey Mulligan e Gabourey Sidibe, apesar de calouras, fizeram grandes trabalhos.

O Oscar, muitas vezes, não premia por uma interpretação específica, mas por toda uma carreira. E não vejo nada de mal nisso. Aconteceu com Sandra Bullock e se repetiu com Jeff Bridges – que já havia sido indicado outras quatro vezes – no prêmio de melhor ator, mas com uma diferença: foi merecido. Acabo de ver Crazy Heart. O filme em si não me convenceu, mas Jeff sim. Na pele de um cantor country fracassado, ele parece não estar atuando. Ao interpretar tão bem e ainda conseguir manter o carisma para um personagem tão desgastado, ele traz ao filme um brilho próprio, porém quase que sabotado por Maggie Gyllenhaal, que contracena com Bridges. Ela não se encaixa no papel – que lhe rendeu uma indicação ao prêmio de atriz coadjuvante - e nem no filme. Aliás, nunca vi potencial algum nesse ser. Sabe lá deus como a mulher conseguiu os papéis que já interpretou (e não são modestos), mas pra mim ela escolheu a profissão errada. Mas enfim, mesmo não tendo gostado tanto do filme, sou fã de Bridges. Aí vai um fato curioso: quando a distribuidora viu o filme pronto, resolveu lançá-lo às pressas porque viu nele a chance do Oscar. Estavam certos.

O que podemos explicar para a pessoa que está começando a gostar de cinema, que assistiu a Avatar e tinha certeza de que a Academia lhe outorgaria os merecidos prêmios, não só técnicos? Vamos lá...

Voltemos no tempo. Antes da festa do Oscar, Avatar era tido como o bam-bam-bam do ano. Críticos e público apostaram no massacre do filme na premiação, logo em suas primeiras semanas de estréia nos EUA. Sim, no estilo flashback de 12 anos atrás quando Titanic, também de Cameron, resolveu acabar com a noite. Ok, cortemos para um outro cenário. 2008, ano antecessor do lançamento de Avatar, foi marcado pelo lançamento de um outro filme, até então desconhecido, de nome The Hurt Locker, que tinha como diretora ninguém menos do que a ex-mulher de James Cameron, Kathryn Bigelow. O filme fracassou nas bilheterias americanas e ficou pouco tempo nas telonas. Baseado nessa situação, em alguns países, inclusive no Brasil, ele foi lançado pela distribuidora direto em DVD pelo receio de não ser lucrativo colocá-lo no circuito de cinemas. Essa falta de credibilidade acarretou em todos os males possíveis ao filme, inclusive numa péssima capa do próprio DVD. Eis que ao longo de 2009 surge um súbito ‘movimento’ de opiniões entre alguns críticos americanos a favor de The Hurt Locker, que num movimento bola-de-neve acabou por influenciar a outros pensadores da sétima arte e ao público ao redor do mundo. Qual foi o resultado? Voltar com o filme pros cinemas! Esse aparecimento verbal é muito importante para a saúde sócio-econômica de uma película e, de fato, o Guerra Ao Terror que conhecemos só foi surgir após Avatar. Até aí nada de novo. Atmosfera criada.

Considero os dois filmes igualmente bons, com propostas completamente diferentes. Avatar é um filme que tem sua concepção antes do próprio filme. Com um altíssimo orçamento, ele é baseado numa historia que não é lá tão nova assim, porém altamente sedutora e perfeitamente representada por um roteiro eficiente e uma direção impecável, regentes de uma pós-produção impressionante. Entretenimento com qualidade. Guerra Ao Terror já é quase todo o contrário. Portado de um orçamento baixo, é um filme onde tudo acontece ali, cena a cena. Sem um modelo pré-estabelecido de roteiro, a história é feita pra ser digerida a cada segundo, sem poder de dedução. É aí que o filme é potencializado. A direção resolve explorar isso e passa a ser agente. Fugindo da apatia, ela é frenética e dita o ritmo do longa, com câmeras panorâmicas, closes trêmulos, multi-ângulos, etc. Uma visão incrível da história, filmada em condições bastante difíceis e com precisão. Um belíssimo trabalho que rendeu a Kathryn Bigelow o merecido Oscar de Melhor Direção. A primeira mulher a vencer na história da premiação.

Eis que o prêmio de melhor filme acaba indo também para Guerra Ao Terror. Aí eu fui contra. Definitivamente essa vitória quis significar outra vitória, a da ‘qualidade’ sobre os ‘altos orçamentos’. Guerra Ao Terror não investe em novas tecnologias, como Avatar, mas faz o cinema avançar em outros sentidos, como o de reafirmar que filmes de altíssima qualidade podem ser produzidos com orçamentos diminutos. Reconheço tudo isso, mas ouso dizer – espero não me arrepender disso – que Avatar é melhor. Por que os ‘altos orçamentos’ não têm capacidade de produzirem ‘qualidade’? O fato de um termo excluir o outro virou mais um estereótipo “alternativo” (um alternativo também estereotipado) do que uma verdade. Acho burrice de Hollywood não apoiar os blockbusters que a sustentam, ainda mais agora que finalmente apareceu um bom (e não sabemos quanto tempo teremos que esperar por outro do mesmo nível. Talvez mais 12 anos?).

Ok, chega de polemizar Avatar e Guerra Ao Terror. Muita gente deve não gostar de mim nesse momento. Então, àqueles que possuírem um potencial intelectual para formarem opiniões sobre cinema e que forem contra as minhas, terei o maior prazer de duelar argumentativamente. Àqueles que se apropriam de ideias alheias pra formarem um pensamento raso e popular sobre cinema eu digo: num enche, sou publicitário.

Esse foi o Oscar.

Histórias de Amor Duram Apenas 90 Minutos

2010-03-16T22:29:00.000-07:00

Por Gabriel Giraud

Um apartamento num prédio antigo. Noite. Uma mulher nua, com uma beleza sutil, leve. Um casal fazendo sexo. No dia seguinte, um boêmio. O homem pós-coito. Um misantropo sufocado por seus pensamentos e por crises inspiracionais e emocionais. Um escritor fracassado. Uma imagem âmbar, um lugar cheirando a mofo, arquitetura antiga, uma textura europeia.

Sentemos e sintamos. Algo nouvelle vague, woodyallenianesco e noir. Cheiro de cultzão. Pois bem, adoro ficar meio puto com o filme e ele diz ‘rá, não me subestime, biatch!’

Oquei, não foi isso tampouco o que aconteceu. Mas é legal pegar essa estética, esse negócio todo e meio que limpar a bunda com isso. Não num sentido pretensioso, mas sim numa tentativa de rir, de voltar a algo que o Cinema Brasileiro vem perdendo: o humor de chanchada. Rir de pau e bunda. Rir de mandar alguém tomar no cu quando esse alguém pede dinheiro emprestado. Se isso é digno ou não, deixemos para a filosofia do humor moral. Mas é interessante termos variedade, ela nos abre olhos a novos caminhos.

O roteiro é surpreendente. Ele é conduzido desigualmente, e vou justificar com um comentário clichê: tem muitas cenas clichês. A festinha com cocainômanos é um elemento que me enche muito a paciência. Mas, sim, há grandes acertos, principalmente no jogo de planos onde Zeca é tentado por Carol. A atuação é justa, Caio Blat e Daniel Dantas cumprem competentemente seus papéis. A argentina Luz Cipriota é realmente ~~gostosa~~ interessante.

Mas a surpresinha do roteiro vale a ida ao cinema. Vale também atentar a questões como: que tipo de filme virá pela frente?; que temáticas serão resgatadas?; quantos outros novos diretores como Paulo Halm (roteirista, dirigiu aqui seu primeiro longa) terão coragem de se libertar para tentar?

E questões de produção (creio que) pela primeira vez aqui, no Cadernos do Cinema: pô, por que escolheram esse título enorme e nada prático? E pior: por que raios o título do filme em inglês é Spleen? Spleen significa “baço” em português e pode significar metaforicamente “revolta”, “raiva”. Será porque tem alguma coisa a ver com a renovação das células de sangue, daí muda aquilo que alimenta o coração e toda essa simbologia do que alimenta o amor? Será que é porque, como vivemos no país do futebol, 90 minutos é um conceito que vende? Ou seria isso por causa da surpresinha?

Ainda acho que o filme devia se chamar 20 motivos (pra se ver uma história de amor). Por quê? Surpresinha...